Komposition - Marita Goga music arts conception – Die Künstlerpersonalberatung

Eleanna Pitsikaki

Frithjof Siebert — Mon, 24 Nov 2025 15:39:24 +0000

Eleanna Pitsikaki

Eleanna Pitsikaki entdeckte schon früh ihre Leidenschaft für den Qanun, die sie seither lebt, atmet und mit der sie forscht und komponiert.

Eleanna Pitsikaki – im Auge des Qanuns

Sie hat sich als eine außergewöhnliche Musikerin etabliert, die in atemberaubendem Tempo durch die Hochschulen eilt, selbst an der Musikhochschule Mainz unterrichtet hat und nun dort promoviert. Ihre Arbeit geht über das Musizieren hinaus: Sie engagiert sich in transkulturellen Netzwerken und forscht zu den tiefen sozialen und kulturellen Bedeutungen von Musik – speziell des Jazz, den sie mit ihrem Qanun in neue Welten führt.

Aufgewachsen in Kreta, „wo Sonne und Meer Legenden gebären“, fand Eleanna ihre wahre Liebe zu einem Instrument, das weder zu den Weißen Bergen noch zu den kretischen Festen gehört. Früh verband sie die Klänge der byzantinischen Musik mit den Wegen des osmanischen Maqam, bevor sie sich der Welt der Jazz-Improvisation widmete. Ihr Genre, das sie selbst als „transkulturellen Jazz“ bezeichnet, ist ein kreatives Zusammenspiel von Tradition und Moderne.

In ihrem Debütalbum „Aroma“, das bei TIMEZONE RECORDS erschien, bringt Eleanna Pitsikaki diese vielfältigen Einflüsse zu einem warmen, emotionalen Erlebnis. Dieses Album ist eine Hommage an die Fusion von Jazz, mediterranen Klängen und experimenteller Freiheit – eine Reise durch Erinnerungen, Identität und Gefühl, die die Essenz der Künstlerin widerspiegelt: authentisch, tief und leidenschaftlich. Kritiker:innen bezeichnen Eleanna Pitsikaki als die „Neuentdeckung“ im Jazz, der es mit ihrer Band gelingt, den Eindruck zu erwecken, als habe der Qanun von jeher seinen Platz im Jazz.

Schwebende Rhythmen und schlüssige, innovative Arrangements, verbunden mit Improvisation, machen diese jazzigen Kompositionen zu einem NOVUM, wobei der Qanun aus einer traditionellen Improvisation stammt. In der Wechselwirkung Qanun, (Eleanna Pitsikaki), Kaval (Vladimir Dindiryakov), Keyboards (Lukas Ebner), Drums (Sammuel Wahllandt) und Bass (Marvin Kollmann) trifft Tradition auf Gegenwart.

Authentisch spürbare mediterrane Einflüsse verleihen dem Werk zwischen Jazz-Improvisation und Maqamstrukturen „Sinnlichkeit, Tiefe und Poesie“. Die Farbe des Jazz ist weiblich. Und der Jazz spiegelt das Leben, dem er entstammt.

SAMEKA

Frithjof Siebert — Wed, 26 Mar 2025 16:21:03 +0000

SAMEKA

Jazz | Komposition | Musik | Rock | Weltmusik

Das Quintett SAMEKA trifft den 1970er-Fusion-Sound des Jazz-Rock und klingt gleichzeitig ganz heutig. In fragilen transparenten Passagen wirken SAMEKA wie die „Dekonstruktion einer historischen westlichen Epoche“, bis orientalische Rhythmen mit Gast-OUD-Spieler Hesham Hamra das Geschehen in Richtung Weltmusik hinüberschweben lassen.

SAMEKA – Fusion in progress

Bassist Simon Zauels gründete die Band 2019. Im Jahr 2021 erhielt die Band ein Stipendium, mit dessen Hilfe sie ihr erstes Album voller Eigenkompositionen für Mons Records aufnahm. „Großen Respekt vor der Tradition und zugleich hochgradige Originalität“ bescheinigte „Jazz in Europe“ diesem Debüt. Als Finalisten des Future Sounds Contests traten Sameka im Herbst 2022 bei den Leverkusener Jazztagen auf. Am 14. Juli 2023 konzertierten SAMEKA auf dem berühmten Jazzopen Festival in Stuttgart. International ging das Quintett im März 2023 auf erste große Tournee, die sie nach Taiwan führte, um ihre Musik mit einem neuen Publikum zu teilen.

2024 veröffentlichten SAMEKA mit MERLINS REISE ihr zweites Album bei TIME ZONE RECORDS. MERLINS REISE beinhaltet SAMEKA mit einem Streichquartett und erneutem Feature von OUD-Spieler Hesham Hamra. Aufgrund der hohen Resonanz des Taiwan Debuts folgte im März 2024 eine weitere Taiwan-Tournee mit dort ansässigem Streichquartett, die wiederum zu einer Einladung 2025 führte. Das Album selbst wird u. a. als „Zauberei der Klang-Fusionäre“ von Peter Michael Bitz bezeichnet und Jazz Fun beschreibt ein „stilistisches Kaleidoskop, das den Gesetzen der modernen Jazzfusion unterliegt und viel Raum für Improvisation und sehr interessante Arrangements lässt.“

SAMEKA LINE UP

Simon Zauels, Bass, Bandleader
Antoine Spranger, piano
Daniel Buch, Saxophone
Tobias Fronhöfer, Drums
Patrick Baumann, Guitar

Isabelle Bodenseh

Frithjof Siebert — Wed, 26 Mar 2025 13:30:16 +0000

Isabelle Bodenseh

Musik | Flöte | Jazz | Komposition | Latin

Die Flötistin bewegt sich grenzüberschreitend in den Sparten Jazz, Rock, Klassik und Weltmusik. Nach FLOWING MIND (GLM) dem erfolgreichen Album ihrer Formation ISABELLE BODENSEH Quartett hat die Ausnahmemusikerin der Jazzszene eine Überraschung in petto, die ihr Gesamtspektrum als Künstlerin offenbaren wird. Allein ihrer Vita ist zu entnehmen, dass Isabelle Bodenseh weites und tiefes musikalisches Know-how vielfältig nutzt.

Isabelle Bodenseh liebt und lebt Musik.

Schon früh war der Halbfranzösin klar, dass ihr das begonnene Klassikstudium mit dem Ziel Orchestermusikerin nicht ausreicht. Die Freiheit, die sie suchte, fand sie weder in der Klassik noch in der Rolle des Orchestermusikers. Im Jazz und in der improvisierten Musik wurde sie fündig. Nach dem Beiseitelegen des Orchestermusikstudiums und einem Schulmusikstudium Anfang der 90er Jahre in Frankfurt am Main ging Isabelle Bodenseh den Weg der freien Musik weiter und studierte bei dem Jazzflötisten und Komponisten James Newton in Los Angeles.

Nach einem halben Jahr Studien im Heimatland des Jazz zog die Flötistin weiter nach Kuba. In Havanna konnte sie mittels eines einjährigen Stipendiums des DAADs nicht nur Latinflute bei den renommertesten kubanischen Musikern lernen, sondern studierte auch Komposition bei Andrés Alén und ging mit kubanischen Bands auf Konzerttournee. Ihre musikalische Expertise aus aller Welt bringt Isabelle Bodenseh seither in viele unterschiedliche Projekte ein. In Formationen wie Chantal, Verquer, Son Aché, La Serena oder bei den Sisters in Jazz International war sie ebenso zu erleben wie auch als Theater- und Studiomusikerin in über 30 CD-Produktionen, die auch Playalongs für den renommierten Schott-Notenverlag umfassen.

Seit 2000 ist Isabelle Bodenseh Dozentin für Improvisation an der Musikhochschule Frankfurt am Main und 2016 gründete sie die „JAZZ À LA FLUTE“-Plattform, um die Querflöte intensiver in das Rampenlicht des Jazz zu rücken. So entstand nicht nur eine Academy für Improvisation, sondern vor allem ihr Herzensprojekt: ein Duo mit dem Gitarristen Lorenzo Petrocca. Sie erweiterte die Flötenfamilie über die „normale“ Querflöte noch um die Alt- und die besonders interessante Bassquerflöte. Das 2018 entstandene Isabelle Bodenseh Quartett mit Flöte, Gitarre, Hammondorgel und Schlagzeug erinnert an Aufnahmen der 60er Jahre mit Gitarrist George Benson und Flötist Joe Farrell.

Bodensehs Band mit Lorenzo Petrocca an der Gitarre, Thomas Bauser an der Hammond Orgel und Lars Binder am Schlagzeug bildet eine swingende Rhythmusgruppe, über die sich die Flöte perfekt entfalten und solistische Höhenflüge starten kann. Neben strahlenden Melodiepassagen kommt auch hier der funky und perkussive Aspekt nicht zu kurz. Tourneen führten die quirlige Flötistin und ihre Band schon quer durch Europa. Auch das neue, mittlerweile fünfte Album mit der lyrischen Flötenstimme wird live präsentiert.

Jens Gebel

Frithjof Siebert — Wed, 11 Sep 2024 12:40:20 +0000

Jens Gebel

Musik | Jazz | Komposition

Jens Gebel, der Klangmaler des Jazz, der als Komponist und Arrangeur seine Stücke den Musikerinnen und Musikern auf „das Instrument“ schreibt. Er arbeitet seit über 30 Jahren in den verschiedenen Facetten des Musikgeschäfts und kann als blinder Musiker auf ein breit gefächertes Award-Portfolio wie „STYLIST OF THE YEAR“, MIT Los Angeles, GERMAN JAZZAWARD, Bassist des Jahres Deutscher Rock und Pop Preis, Förderpreis ZMF blicken.

Debut CD „Tunesday“: Südamerikanischer Klang für alle Jahreszeiten – Komponist und Musiker Jens Gebel beschenkt als „Klangmaler“ sein Publikum mit einer breiten Klang-Palette im Quartett

Wenn man seine Kompositionen auf der Debut CD „Tunesday“ hört, fühlt man sich für einen Moment an entspannte Sommerabende oder südamerikanische Nächte erinnert. Und das hat seinen Grund, denn den im Schwarzwald geborenen Jens Gebel zog es im Alter von 23 Jahren nach Los Angeles, wo er mit den Gitarrengrößen Scott Henderson, Jacob Phillips und Joe Dioro performte und am Musicians Institute studierte.

In LA entdeckte der blinde Autodidakt auch seine Liebe zur brasilianischen Musik im Zusammenspiel mit vielen brasilianischen Musiker*innen. Legendär sein Auftritt am MI mit Carol Rogers. Die Fröhlichkeit und positive Energie der Brasil-Grooves und Melodien inspirierten ihn, das „Jens Gebel Quartett“ zu gründen. Sehr wichtig sind ihm schöne Melodien sowie harmonische und rhythmische Raffinesse. Damit möchte er den Spirit brasilianischer Musik, verbunden mit melodiösem Jazz, einem breiteren Publikum näher bringen. Gleichwohl haben seine Kompositionen etwas, das an die Leichtigkeit transatlantischer Klangvielfalt eines George Gershwin und Leonard Bernstein anknüpft.

2023 hat er mit dem „Jens Gebel Quartett“ eine Debut-CD eingespielt. Mit dabei sind neben Jens Gabel als Bassist und Band-Leader: Michael Arlt, Gitarre, Domenic Landolf, Bass-Klarinette und Saxophone und Daniel Schay, Pandeiro.

Jens Gebel sagt über sein Quartett:

„… am wichtigsten war mir, eine Band mit eigenem Sound mit Wiedererkennungswert zu bilden. Dies ist mir durch die besondere Auswahl der Instrumente Pandeiro, Bassklarinette und Microbass sowie das versierte Spiel der Instrumentalisten gelungen. Ich wollte handgemachte Musik mit wenig technischen Hilfsmitteln machen – die Musik soll sehr entspannt und angenehm zu hören sein, auch für nicht an Jazz gewohnte Hörer*innen. Zugleich stellen die stimmungsvollen Stücke und Improvisationen eine schöne Herausforderung für uns Musiker dar.“

Mit „Tunesday“ demonstriert Jens Gebel, dass er mit seiner Band seinen eigenen Bandsound kreiert und alle die Begeisterung für diesen Stil teilen. Er selbst sagt: „Ich möchte mit meiner Musik bisher ungehörte Klangbilder erschaffen …“

Er lebt mit seiner Frau, der Saxophonistin Veronica Reiff in Freiburg. Dort betreiben sie das „citysoundstudio“. Weiterhin engagiert sich Jens Gebel für Barrierefreiheit, indem er blinden Menschen den Zugang zur digitalen Welt ermöglicht. Seit 2010 bieten er und Veronica Reiff auf der Website www.zumsprechendenapfel.de Kurse für die Bedienung von Computern, Smartphones und Musik-Programmen mit Screenreader an. Sie haben seither mehr als hundert Schulungen in Deutschland und Österreich durchgeführt.

Clemens Orth

Frithjof Siebert — Tue, 10 Sep 2024 18:20:15 +0000

Clemens Orth

Musik | Jazz | Klavier | Komposition

Die Wechselwirkung mit den „Tasten“ faszinierte den Pianisten und Komponisten Clemens Orth von jeher wie eine „Liebe auf den ersten Blick“. Schon als Dreijähriger fing er mit dem Klavierspiel an, erhielt schließlich Unterricht und eine klassische Ausbildung. Mit 17 schloss er eine Ausbildung zum Kirchenorganisten ab. Was dann folgt, reiht sich wie eine mehrreihige Perlenkette von Wechselwirkungen aneinander.

Clemens Orth – interactions in concert

Mit seinem Pianotrio war er 1995 Sieger beim Wettbewerb Krakow Jazz Juniors. Erste Aufnahmen entstanden 1997, als er Mitglied im Bundesjugendjazzorchester war (Focus on Vocals, Mons Records). Im selben Jahr spielte er in Gunter Hampels Next Generation, mit der er u. a. bei der MusikTriennale Köln auftrat. In New York entstand mit Hampel noch das Album The 8th of September 1999, in der Dresdner Tonne im Folgejahr Earthlings.

Außerdem nahm er im Trio mit Dietmar Fuhr (Kontrabass) und Matthias Kornmaier (Schlagzeug) sein Debütalbum Silhouette Ascending (Mons) auf

2000 erhielt er ein Stipendium zum Studium am Queens College in New York City.

2009 legte er das Soloalbum Here Now (Konnex) vor, auf dem er neben Standards wie „You’d Be So Nice to Come Home To“ und Thad Jones’ „A Child Is Born“ auch Eigenkompositionen vorstellte.

Heute ist Clemens Orth im Zenit zahlreicher musikalische Formationen und Ehrungen. Sowohl als Solist (2009 Sieger beim internationalen Piano-Wettbewerb „Premio Benedetto XIII“ in Bari) als auch mit seinen Trios (1995 Sieger beim Wettbewerb Krakow Jazz Juniors) wurde er ausgezeichnet und wirkte bei zahlreichen Albumproduktionen als Studiomusiker mit.

Seine Konzerte finden international sowohl an renommierten Orten wie die Carnegie Hall New York als auch in Konzertsälen und Kirchen statt. Für das renommierte JAZZTHING Magazin ist Clemens Orth „… ein Musiker … der zwar seine Eigenständigkeit und Unabhängigkeit liebt, aber dennoch seinen kulturellen Wurzeln, seinen gemachten Einflüssen und Prägungen verbunden bleibt“– Jazzthing 81 (11/09 — 01/10)

Immer wieder entdeckt Clemens Orth Neues für sich, so die Wechselwirkung mit Hammondorgel und seiner eigenen, der menschlichen Stimme. Clemens Orth komponiert, arrangiert, improvisiert und produziert Aufnahmen verschiedener Styles im eigenen Tonstudio in Köln.

Der Kern des Pianisten Clemens Orth liegt in seiner Performance als Solist und der Königsdisziplin, der Improvisation, in der er aus dem Vollen schöpft und sein Publikum verschiedener Generationen daran Teil haben lässt.

HERE NOW sagte über Clemens Orth in einer Rezension, er sei ein „… eloquenter Geschichtenerzähler, der mit rhythmischer Raffinesse und flüssiger Phrasierungskunst die Zuhörer in seinen Bann schlägt …“ und der es versteht, „… wie aus dem Stegreif improvisiertes musikalisches Material auch einmal auf das Wesentliche zu reduzieren …“

Sara Aldén

Frithjof Siebert — Mon, 09 Sep 2024 19:30:03 +0000

Sara Aldén

Gesang | Jazz | Komposition | Musik

Sara Aldén wird in Schweden als Schöpferin des „Jazz über Leben und Tod“ beschrieben. Mit Integrität und Neugier erkundet Sara die Räume im Jazz-Kontext und hat eine intime Art, Musik zu machen, indem sie den Zuhörer an einen kleinen Ort der Stille einlädt. Im Gegensatz dazu stehen Klarheit und Größe ihrer Stimme, die in großen Sälen und weiträumigen Landschaften ihr Echo findet.

Sara Aldén, Jazzvocalistin und Schwedens „Schöpferin des Jazz über Leben und Tod“ besingt mit ihrem Album Perspektiven um das Ende

Im kommenden Debütalbum „There is no Future“ (Naxos, Prophone, März 2024) zeigen Sara Aldén und ihr Trio auf ein gewaltiges Vakuum in der Geschichte des Jazz, in dem sich verhängnisvolle Kompositionen mit schwindelerregenden Arpeggios, großen Crescendos und Klangwelten abwechseln, die die Musik in einen Bann ziehen als das Ende von allem, wie wir es kennen. Mit Integrität und Neugier erkundet Sara die Räume im Jazz-Kontext und hat eine intime Art, Musik zu machen, indem sie den Zuhörer an einen kleinen Ort der Stille einlädt. Im Gegensatz dazu stehen Klarheit und Größe ihrer Stimme, die in großen Sälen und weiträumigen Landschaften ihr Echo findet.

Ihr EP-Debüt gab Sara Aldén 2022 mit dem von der Kritik gefeierten „A Room of One’s Own“, wo sie die Norm und Form des Jazz mit ihrem ganz eigenen Ausdruck und ihrer ganz eigenen Musiksprache erkundete. Mit musikalischen Klanghelden wie Lina Nyberg, Gretchen Parlato, Esbjörn Svensson Trio und Tigran Hamasyan kreierte Sara Klangbilder, wie Jazz im Jahr 2024 klingt. Zuvor hat sie mit Musikern wie Anders Jormin, Malin Wättring und Martin Sjöstedt gespielt und am 3. Juni 2022 ihr Release-Konzert zusammen mit Lina Nyberg in Schwedens renommiertem Skeppet gegeben.

Sara Aldén wuchs zwischen Sala und Avesta in Schweden auf und begann dort als 12-Jährige ihr musikalisches Leben mit Big Band und Jazz als Basis, was auch heute noch Saras größte Leidenschaft ist. Mit ihren musikalischen Wurzeln, die in ihren Jahren als Big-Band-Sängerin und Interpretin von Standard-Jazz verankert sind, ist Sara nun bereit, ihre eigenen Versionen der Musik zu realisieren. Sara erhielt zweimal das Fredrika-Bremer-Stipendium der Königlich Schwedischen Musikakademie. Sie ist derzeit Masterstudentin für Master of Fine Arts in Musik mit Spezialisierung auf Improvisationsperformance an der Akademie für Musik und Theater in Göteborg und in Gendering Practices im Masterstudiengang der Universität Göteborg. In ihrer Forschung zu Jazz und Geschlecht untersucht sie die Ungleichheiten und Erfahrungen im Kontext des Jazz mit Genderperspektive. Sara Aldén lebt in Göteborg.

KLANGLYS

Frithjof Siebert — Tue, 16 Jan 2024 19:41:35 +0000

KLANGLYS

Jazz | Komposition | Musik

Mit vielfältigen Klangfarben und einer sensiblen Mischung instrumenteller und vokaler Arrangements teilen die Musikerinnen und Musiker von KLANGLYS (in Deutsch: KLANGLICHT) in verschiedenen Formationen ihre Leidenschaft für Harmonien des Jazz, rhythmischer Ostinato und natürlichen Klangmustern.

KLANGLYS – BEYOND mit Johannes Käsbach

Mit vielfältigen Klangfarben und einer sensiblen Mischung instrumenteller und vokaler Arrangements teilen die Musikerinnen und Musiker von KLANGLYS (in Deutsch: KLANGLICHT) in verschiedenen Formationen ihre Leidenschaft für Harmonien des Jazz, rhythmischer Ostinato und natürlichen Klangmustern.

Mit ihrem individuellen Background entwickeln sie daraus vielfarbige, stilistisch neue Klangwelten. Bandleader und Komponist Johannes Käsbach versteht sich als eine Art musikalischer Architekt, der ein Konzept bereitstellt, in dem sich alle Musikerinnen und Musiker mit Ihrem Charakter und mit Improvisation gleichberechtigt einbringen. Seine persönliche Vorliebe für Seiteninstrumente – von Gitarre bis Violine – und die menschliche Stimme sind gleichermaßen prägend.

Hören, spürbar und berührbar machen, das ist Johannes Käsbach!

Vom Ohr und allem, was mit Klang zu tun hat, fasziniert und navigiert der studierte Akustiker, Jazzgitarrist und Komponist seine Band und sein Publikum durch eine Welt der Musik und Sprachen. Geschichten erzählen und Gedanken reflektieren, die Entscheidungen und Prioritäten des Lebens widerspiegeln, das ist seine Musik. Dabei entwickelt er stilübergreifende Kompositionen und baut einem Architekten gleich, harmonische und melodische Klanggebilde zum Verweilen und Träume gestalten, so wie seine Band KLANGLYS. Zum Spürbar und – berührbar machen, gehört für ihn die Verwendung von Bildern, Licht und Farbe dazu, wie das Zeichnen von Landschaften, durch welche die Hörenden streifen und spazieren können und die wie Tänze rhythmisch über Kontinente gleiten.

Johannes Käsbach ist die Wechselwirkung mit Band und Publikum wichtig, weil er eine Mission hat, eine Musik für alle und mit allen.

In Leverkusen geboren, studierte der vielseitige Musiker, Komponist und Arrangeur mit abgeschlossenem Master- und Doktorstudium der Akustik und Hörforschung, ebenfalls am Konservatorium Hamburg und am Centre Des Musiques Didier Lockwood (CMDL) in Paris. Er ließ sich schließlich in Dänemark nieder, wo er 2019 KLANGLYS gründete, dessen Klangbild sich durch eine Vielfalt kompositorischer Stile vom Jazz über Weltmusik bis zu Post-Rock und Klassik auszeichnet.

KLANGLYS lädt die Zuhörenden auf eine musikalische Reise in verschiedene Klangwelten ein. Ihr Debütalbum „IN HINDSIGHT“ erschien im Oktober 2021 bei GATEWAY MUSIC produziert von Mr Cheesebrook Productions.

Nach großer Resonanz in Dänemark wird KLANGLYS mit Johannes Käsbach fortan auch in Deutschland vertreten.

Zur Stammbesetzung gehören:

Johannes Käsbach (DE) – guitar, vocals, compositions, arrangements, production

Wojciech Morelowski (PL) – trumpet

Aleksandra Raczyńska (PL) – violin and vocals

Alejandro Gispert (CU) – bass

Jan Kadereit (DE) – drums and percussion

Featuring musician:
Sebastian Zawadzki (PL) – piano

Enrico Olivanti

Frithjof Siebert — Mon, 15 Jan 2024 21:13:04 +0000

Enrico Olivanti

Komposition | Gitarre | Jazz | Klassik | Musik

Von je her selbstbestimmt, reflektiert und unabhängig, verbunden mit einer grenzenlosen Liebe zur Musik, ihren Facetten und Stilen: Das ist Enrico Olivanti.

Enrico Olivanti: Musiker – Komponist – Dirigent – am Puls des Lebens

Schon früh wusste der in Klassik, Improvisation, Jazz und neuer Musik gleichzeitig verortete Enrico Olivanti, dass das Komponieren im Zentrum seines Schaffens stehen würde.

Mit der Gitarre arbeitete er sich nach autodidaktischen Anfängen über die Klassik zum Jazz und studierte nach der persönlichen Grenzerfahrung in Form eines Unfalls schließlich Komposition.

Sowohl die sinfonische Musik als auch Improvisation, elektronische Musik und die Arbeit mit der menschlichen Stimme, solistisch wie im Chor sind Ausdruck seiner kompositorischen Vielfalt und Breite. Enrico Olivanti findet für das, was ihn inhaltlich bewegt, für eine Geschichte wie seine jüngste Veröffentlichung LOVE LETTERS, das jeweils adäquate Mittel.

Sein Werk- und Wirkungsverzeichnis inkl. des jeweiligen Ortes liest sich wie die Entwicklung eines Baumes mit verschiedenen Ästen, der jährlich austreibt. Seit 2009 veröffentlicht er Werke für Instrumentalensembles sowohl Jazz als auch neuer Musik, für Orchester, für Vokalsolisten und Chöre. Zudem veröffentlichte er mehre CDs , gründete eigene Bands und Ensembles so wie das in Sachsen ansässige Ensemble: NEU.

Sein erstes Kompositionsstudium bei Gianluca Podio und Ferdinando Nazzaro, dann bei Luciano Polesi und Alessandro Cusatelli schließt er am Konservatorium von Santa Cecilia ab. Schließlich studiert er Komposition bei Prof. Thomas Zoller an der Hochschule für Musik Carl Maria von Weber in Dresden. Zuvor hat er als Gitarrist, nach dem er klassischen Unterricht bei Antonio Pappadá hatte an der Scuola-ForumMusica von Ciampino studiert , danach am Saint ‑Louis-College of Music und am Berklee College of Music Boston.

Weiteres kommt hinzu. Im Komponieren und Einstudieren wird der Dirigent Enrico Olivanti sichtbar.

Bernard Fichtner

Frithjof Siebert — Mon, 15 Jan 2024 20:02:08 +0000

Bernard Fichtner

Gitarre | Jazz | Komposition | Musik

Bernard Fichtner hatte schon früh eigene Vorstellungen von seiner Musik. Ein feines und präzises Klangempfinden ließ sich ihn für die Gitarre als „sein“ Instrument entscheiden.

Bernard Fichtner – One and Only! Leidenschaftlich klar und transparent.

Anfangs autodidaktisch wusste er genau, was er von den Lehrenden lernen wollte. Diese Art, Musik zu entwickeln und transparent zu kommunizieren, setzte er fort. Nach dem Abitur studierte er in Kanada und schließlich am Berklee College of Music in Boston/USA, der Hochburg des Jazz. Von dort aus experimentierte und erkundete er mit seinem persönlichen „Algorithmus“ verschiedenste Genres und Styles wie Rock, Funk, Fusion, Soul und Rhythm ’n’ Blues. Er wirkte als Musiker bei Musical-Produktionen, begleitete Musikerinnen und Musiker wie die israelische Sängerin Esther Ofarim und komponierte Filmmusiken. Bernard Fichtner liebt es, zu unterrichten, mit Musikerinnen und Musiker aller Generationen Musik zu teilen und jeweils mit dem individuellen Ansatz gemeinsam zu arbeiten.

So wundert es nicht, dass er auch Einblicke, in seine Art Musik zu machen, gibt, wie in einem Videogespräch (www.bernardfichtner.de). Er zeigt, wie aus einer Sammlung kurzer musikalischer Phrasen eine Idee entsteht, die er fortführt und ausbaut. Zudem nimmt er die Zuschauenden mit in die Welt einer Recording Software und demonstriert anhand von Beispielen und Screenshots, wie er seine Einfälle in einzelne Spuren überführt und bearbeitet.

Was seine Musik und ihn in seiner Rolle als Musiker und Bandleader betrifft, war es immer sein Ziel „ein singuläres Profil zu entwickeln, das einen genauer hinhören lässt …“ wie bei seinem letzten Album Movin’on (Bernard Fichtner’s M‑Project). Und das ist es, was ihn ausmacht. Bernard Fichtner hat klare Vorstellungen. „Mir gelingt immer dann etwas Eigenes, wenn die Musik eine verständliche Form erhält“, betont er. „Auf Movin’ On habe ich überwiegend nicht-komplexe, symmetrische Formen gewählt.“

Klare Vorstellungen hat Bernard Fichtner immer, auch wenn es um die Auswahl der Musikerinnen und Musiker geht, die er sehr sorgfältig vornimmt.

Als Musiker wird ihm „ein unprätentiöser Stil“ attestiert, dessen Soli „entwickeln ihren Flow aus den Geschichten, die sie erzählen. Sie interagieren mit und reagieren auf die rhythmischen, dynamischen und melodischen Akzente, die seine Mitmusiker setzen.“

So entschied er sich bei seinem jüngsten „M‑Projekt“ für den Hannoveraner Pianisten Markus Horn, „weil sein harmonisches und melodisches Empfinden ihn in die Lage versetzt, die Melodielinien der Gitarre aufzunehmen und weiterzuführen.“

Ihm war die pulsierende Rhythmik des Hamburger Schlagzeugers Heinz Lichius durch sein variantenreiches Spiel als große Bereicherung für den Gesamtsound wichtig.

Mit Giorgi Kiknadze, ebenfalls aus Hamburg, wird dieses Fundament mit einem Kontrabass, der sich nicht auf ein elementares Tongerüst begrenzt, sondern über die harmonische Essenz hinausgeht, indem er seine Linien eloquent ausbaut und anreichert, unterlegt.

Kurz beschrieben ist Bernard Fichtner „leidenschaftlich klar und transparent“.

Alexandra Ivanova

Frithjof Siebert — Mon, 15 Jan 2024 19:01:15 +0000

Alexandra Ivanova

Klavier | Jazz | Komposition | Musik

Ihr Album „BEAUTY IN CHAOS“ ist zum einen eine Momentaufnahme der vielseitigen und weit gereisten Komponistin und Pianistin Alexandra Ivanova. Es dokumentiert ihre Entscheidung für ihre persönliche Berufung, die Musik. Zum anderen bietet „Beauty in Chaos“ wie eine Art „Oase“ ein Zugehörigkeitsgefühl für Menschen „aller Welten“.

Mit „Beauty in Chaos“ Türöffnerin „von WELTen“ – ALEXANDRA IVANOVA

Drei Jahre nach Veröffentlichung ihres Debütalbums „BEAUTY IN CHAOS“ stehen Pianistin und Komponistin Alexandra Ivanova als „Türöffnerin“ verschiedener Klangwelten neue Türen offen.

Mit ihrem Trio hatte sie Europa und Nordafrika bereist, u. a. in Metropolen wie Berlin, Wien und Kairo gespielt. Frenetischen Beifall erhielt sie als Showcase auf der weltgrößten Jazzmesse, der Jazzahead in Bremen. In Berlin gab sie gleich darauf ein Benefizkonzert für das SOS Kinderdorf Moabit.

Alexandra Ivanova geht dahin, wo sie Türen öffnet, egal ob große Jazzmesse oder kleines Festival.

Als „Artist in Residence“ für drei Monate eröffnete sie 2024 in Havanna/Kuba mit einem Auftritt auf dem Havanna Jazz Plaza Festival und spielte u. a. im PENG Festival.

2025 folgte eine interkulturelle „Soundweavings“-Residency am kanadischen Banff Centre, wo Alexandra Ivanova sowohl mit dem Piano als auch mit dem arabischen Qanun teilnahm. Es kam, wie es immer kommt, zu neuen Entdeckungen in der Zusammenarbeit, basierend auf Stücken des zeitgenössischen Gamelans, dessen Komponisten sowohl von ungeraden Rhythmen als auch von afro-kubanischer Musik, teils auch vom Maqam inspiriert sind.

Daraufhin reiste Alexandra Ivanova als Music Ambassador für einen einmonatigen Forschungs- und Vernetzungsaufenthalt nach Indonesien und begann die Zusammenarbeit mit zeitgenössischen balinesischen Komponisten.

2026 steht eine Asien-Ozeanien-Tour im Rahmen einer interregionalen Kulturkollaboration der Österreichischen Botschaft Jakarta, Shanghai, und Canberra bevor.

Immer dabei: ihre Kompositionen aus „Beauty in Chaos“ wie ein Schlüssel.

Ihr Album „BEAUTY IN CHAOS“ ist zum einen eine Momentaufnahme der vielseitigen und weit gereisten Komponistin und Pianistin Alexandra Ivanova. Es dokumentiert ihre Entscheidung für ihre persönliche Berufung, die Musik. Zum anderen bietet „Beauty in Chaos“ wie eine Art „Oase“ ein Zugehörigkeitsgefühl für Menschen „aller Welten“.

In ihren eigenen Kompositionen bringt Alexandra Ivanova Klänge aus Maqam-Traditionen, afrokubanische Claven, bulgarische Rhythmen sowie Einflüsse aus Klassik und Jazz zueinander. Auf dem Titelsong ist außerdem die unverkennbare Stimme der syrisch-französischen Sängerin Lynn Adib zu hören.

Die Stücke auf „Beauty in Chaos“ laden den Zuhörer dazu ein, den europäischen Kanon zu verlassen und die Welt aus verschiedenen kulturellen Perspektiven zu betrachten. Sie sind eine Suche nach der Östlichkeit in einem westlichen Kontext: „Enta Omri“ ist ein zeitgenössischer Tribut an die Gesangslegende der arabischen Klassik, Umm Kulthum. „Ay Isiginda“ des aserbeidschanischen Komponisten Gambar Huseynli kennt Ivanova von einem Konzert des Azerbaijan State Orchestra of Folk Instruments. Und das isländische Traditional „Krummavisur“ weist verblüffende Parallelen zur Musik des Nahen Ostens auf.

„Mit Bassisten wie Niklas Lukassen und Schlagzeugern wie Nathan Ott, bildet sie ein Pianotrio der Extraklasse, voller Sensibilität und Authentizität. Für Alexandra Ivanova hat sich mit dem sorgfältig konstruierten Album ein ganz neuer Weg geöffnet – die Pianistin lebt in Berlin und schuf in ihrer Musik für sich ein eigenes Zuhause, das gleichzeitig die Fülle ihrer Erfahrungen widerspiegelt.“

Über Alexandra Ivanova

Die in Österreich aufgewachsene Komponistin und Pianistin Alexandra Ivanova gilt als Ausnahmekünstlerin. In einem Interview der JAZZTHING sagt sie über sich: „Ich stamme von einem bulgarischen Baum, der aber in österreichische Erde eingepflanzt und in Südwestasien sowie der Golfregion, zum Teil auch in Frankreich, gegossen wurde. Außerdem besitzt er noch Flugwurzeln, die bis nach Kuba reichen.“

Alexandra Ivanova gilt als nonkonformistisch, vielseitig im „HIER UND JETZT“ verankerte Künstlerin, die neben ihrer musikalischen Ausbildung über einen Masterabschluss der Sciences Po Paris verfügt und Spoken Word Poetry schreibt.

Ihre Vita liest sich so: Nach klassischem Klavierunterricht öffnet sie sich mit 16 der Improvisation und dem Jazz und gründet ihr erstes Jazztrio. Sie studiert Sozialwissenschaften und Jazz in Dijon, Paris und England, wo sie jeweils Jazztrios gründet und mit ihnen international auftritt.

Im Libanon lernt sie Arabisch und arbeitet daraufhin in Jordanien und den Emiraten, wo sie ihren Mentor, den libanesisch-amerikanischen Pianisten Tarek Yamani kennenlernt.

Nach einer Sommerresidenz in Island widmet sie sich der Komposition ihres Debüt-Albums „BEAUTY IN CHAOS“, das 2023 mit Niklas Lukassen (Kontrabass) und Nathan Ott (Schlagzeug) erschien. Die RELEASE TOUR führt sie durch Europa bis nach Nordafrika.

Alexandra Ivanova wurde mehrfach mit Stipendien ausgezeichnet. Sie hat ihren Lebensmittelpunkt in Berlin.