Komponist - Marita Goga music arts conception – Die Künstlerpersonalberatung

Marty Isenberg

Frithjof Siebert — Fri, 24 Apr 2026 15:09:49 +0000

Marty Isenberg

Der viel gefragte New Yorker Bassist Marty Isenberg hat mit „The Way I feel Inside“ ein autobiografisches Jazzdrama geschaffen. Angeregt durch das Wesen der Rückschau von Wes-Anderson-Filmen und dessen Musikauswahl der 60er und 70er Jahre, Songs von Eliot Smith, Nick Drake, David Bowie, The Zombies und The Kinks, verknüpfte Isenberg mit neu arrangierten Improvisationen.

Marty Isenberg and The Way I Feel inside: Jazzdrama für Unerschrockene

Der Jazz und seine Gestalt. Seit Anfang des 20. Jahrhunderts über Blues, Dixie, Swing, Bebop, sich am Crossover der europäischen Klassik reibend, und schließlich im Dialog der freien Improvisation bleibt ein lebendiges Faszinosum. Der viel gefragte New Yorker Bassist Marty Isenberg hat mit „The Way I feel Inside“ ein autobiografisches Jazzdrama geschaffen. Angeregt durch das Wesen der Rückschau von Wes-Anderson-Filmen und dessen Musikauswahl der 60er und 70er Jahre, Songs von Eliot Smith, Nick Drake, David Bowie, The Zombies und The Kinks, verknüpfte Isenberg mit neu arrangierten Improvisationen. Das 2023 veröffentlichte Album wurde von den führenden Musikkritikerinnen hochgelobt und die Streams gehen in die Hunderttausende.

Auf der Bühne lädt Marty Isenberg die Zuhörenden ein, die dramaturgisch gestaltete Musik sinnbildlich für Verlust, Veränderung, Verunsicherung, Neuorientierung und Unerschrockenheit zu teilen. Im Dialog der Moderation mit der Musik führen Marty Isenberg am Bass, Jazzvokalistin Sami Stevens, Rodrigo Recabarren an den Drums und Bassgitarristin Alicyn Yaffee 90 Minuten unterhaltsam durch das Programm, Höhen wie Tiefen, die schließlich in einer Mut machenden Befreiung enden.

Marty Isenbergs Karriere als Jazzmusiker begann im Alter von 12 Jahren, nachdem er im Jahr zuvor seinen Vater durch Krebs verloren hatte. Martys Vater war ein begabter Amateurmusiker und hatte viele Instrumente zu Hause, auf denen er für die Familie spielte. Nach seinem Tod nahm Marty eines dieser Instrumente von der Wand und brachte sich selbst das Spielen bei, indem er die Tabulaturen im Bass Player Magazine las. Das Bassspielen war für Marty Isenberg Liebe auf den ersten Ton.

Anschließend studierte er an der New School for Jazz and Contemporary Music, wo er Jazz Performance als Hauptfach und Jazzkomposition als Nebenfach belegte. Er erwarb seinen Master of Music an der New York University und promovierte später an der Stony Brook University.

Seit fast 20 Jahren ist Marty Isenberg Teil der vielfältigen Musikszene New Yorks. Seine Karriere als Musiker umfasst viele verschiedene Musikstile, von Jazz über klassische Musik bis zu Theater und zeitgenössischer Musik. All diese Erfahrungen fließen in die Arrangements seines Debütalbums „The Way I Feel Inside: Inspired by the Films of Wes Anderson“ ein, in dem er seine eigene Stimme einbringt und die Musik, die seine musikalische Identität geprägt hat, neu interpretiert.

Er ist Endorsement-Künstler für Aguilar Amps, DR Strings, Fender Guitars und Radial Engineering. Er trat für Radio City Christmas Spectacular, Kiss Me Kate, The Lion King, A Beautiful Noise und Fun Home am Broadway auf. International tourte er mit dem Dave-Juarez-Trio und dem Musical Soul Doctor und ist Mitbegründer und CEO der Clinton Hill Music School in Brooklyn.

Lörinc Barabas

Frithjof Siebert — Fri, 24 Apr 2026 14:45:19 +0000

Lörinc Barabas

Lörinc Barabas ist einer der vielseitigsten Trompeter unserer Zeit. Stilistisch reichen seine Kompositionen vom Jazz über Pop und Hip-Hop hin zur Elektronik und Neoklassik.

BARABÁS – Jazz-Trompeter im Mikrokosmos musikalischer Satelliten

Von Amsterdam über Budapest und Berlin, London, Lissabon, und New York füllt der gebürtige Ungar Lörinc Barabas Konzerthallen als Solist und Bandleader. Seine Konzerte spiegeln die Wechselwirkungen des Lebens, berühren, schaffen Momente der Stille und der Begeisterung. Barabas ist wie ein Kraftwerk voller Musik, das für jeden etwas bereithält.

Lörinc Barabas, der in einem musikalischen Haushalt aufwuchs, bekam mit 11 Jahren von seiner Mutter einen Synthesizer geschenkt, nachdem er einem Lehrer aufgefallen war. Schon bald ging er zur Musikschule, wo er seine Leidenschaft für die Trompete als sein Instrument entdeckte, dass er autonom einarmig spielen konnte.

Von da an, war der Bann gebrochen. Barabas erkundete die Welt des Jazz und des Pop.

Er studierte Jazztrompete und hatte schon früh ein eigenes Ensemble. Über 20 Jahre prägt er die ungarische Jazzszene entscheidend mit. Neben seinen Solokonzerten kreierte er ein Jazz-Quartett, eine Fusion-Band und RANDOM ein spezielles Jam-Format.

Seine Diskografie mit zwölf Plattenproduktionen liest sich eindrucksvoll. Sein nächstes Album mit dem verheißungsvollen Titel ORBIT lädt die Hörenden zu einer Begegnung in den Kosmos der Umlaufbahnen musikalischer Satelliten ein. „The Trumpet shall sound.“

Jens Gebel

Frithjof Siebert — Wed, 11 Sep 2024 12:40:20 +0000

Jens Gebel

Musik | Jazz | Komposition

Jens Gebel, der Klangmaler des Jazz, der als Komponist und Arrangeur seine Stücke den Musikerinnen und Musikern auf „das Instrument“ schreibt. Er arbeitet seit über 30 Jahren in den verschiedenen Facetten des Musikgeschäfts und kann als blinder Musiker auf ein breit gefächertes Award-Portfolio wie „STYLIST OF THE YEAR“, MIT Los Angeles, GERMAN JAZZAWARD, Bassist des Jahres Deutscher Rock und Pop Preis, Förderpreis ZMF blicken.

Debut CD „Tunesday“: Südamerikanischer Klang für alle Jahreszeiten – Komponist und Musiker Jens Gebel beschenkt als „Klangmaler“ sein Publikum mit einer breiten Klang-Palette im Quartett

Wenn man seine Kompositionen auf der Debut CD „Tunesday“ hört, fühlt man sich für einen Moment an entspannte Sommerabende oder südamerikanische Nächte erinnert. Und das hat seinen Grund, denn den im Schwarzwald geborenen Jens Gebel zog es im Alter von 23 Jahren nach Los Angeles, wo er mit den Gitarrengrößen Scott Henderson, Jacob Phillips und Joe Dioro performte und am Musicians Institute studierte.

In LA entdeckte der blinde Autodidakt auch seine Liebe zur brasilianischen Musik im Zusammenspiel mit vielen brasilianischen Musiker*innen. Legendär sein Auftritt am MI mit Carol Rogers. Die Fröhlichkeit und positive Energie der Brasil-Grooves und Melodien inspirierten ihn, das „Jens Gebel Quartett“ zu gründen. Sehr wichtig sind ihm schöne Melodien sowie harmonische und rhythmische Raffinesse. Damit möchte er den Spirit brasilianischer Musik, verbunden mit melodiösem Jazz, einem breiteren Publikum näher bringen. Gleichwohl haben seine Kompositionen etwas, das an die Leichtigkeit transatlantischer Klangvielfalt eines George Gershwin und Leonard Bernstein anknüpft.

2023 hat er mit dem „Jens Gebel Quartett“ eine Debut-CD eingespielt. Mit dabei sind neben Jens Gabel als Bassist und Band-Leader: Michael Arlt, Gitarre, Domenic Landolf, Bass-Klarinette und Saxophone und Daniel Schay, Pandeiro.

Jens Gebel sagt über sein Quartett:

„… am wichtigsten war mir, eine Band mit eigenem Sound mit Wiedererkennungswert zu bilden. Dies ist mir durch die besondere Auswahl der Instrumente Pandeiro, Bassklarinette und Microbass sowie das versierte Spiel der Instrumentalisten gelungen. Ich wollte handgemachte Musik mit wenig technischen Hilfsmitteln machen – die Musik soll sehr entspannt und angenehm zu hören sein, auch für nicht an Jazz gewohnte Hörer*innen. Zugleich stellen die stimmungsvollen Stücke und Improvisationen eine schöne Herausforderung für uns Musiker dar.“

Mit „Tunesday“ demonstriert Jens Gebel, dass er mit seiner Band seinen eigenen Bandsound kreiert und alle die Begeisterung für diesen Stil teilen. Er selbst sagt: „Ich möchte mit meiner Musik bisher ungehörte Klangbilder erschaffen …“

Er lebt mit seiner Frau, der Saxophonistin Veronica Reiff in Freiburg. Dort betreiben sie das „citysoundstudio“. Weiterhin engagiert sich Jens Gebel für Barrierefreiheit, indem er blinden Menschen den Zugang zur digitalen Welt ermöglicht. Seit 2010 bieten er und Veronica Reiff auf der Website www.zumsprechendenapfel.de Kurse für die Bedienung von Computern, Smartphones und Musik-Programmen mit Screenreader an. Sie haben seither mehr als hundert Schulungen in Deutschland und Österreich durchgeführt.

Clemens Orth

Frithjof Siebert — Tue, 10 Sep 2024 18:20:15 +0000

Clemens Orth

Musik | Jazz | Klavier | Komposition

Die Wechselwirkung mit den „Tasten“ faszinierte den Pianisten und Komponisten Clemens Orth von jeher wie eine „Liebe auf den ersten Blick“. Schon als Dreijähriger fing er mit dem Klavierspiel an, erhielt schließlich Unterricht und eine klassische Ausbildung. Mit 17 schloss er eine Ausbildung zum Kirchenorganisten ab. Was dann folgt, reiht sich wie eine mehrreihige Perlenkette von Wechselwirkungen aneinander.

Clemens Orth – interactions in concert

Mit seinem Pianotrio war er 1995 Sieger beim Wettbewerb Krakow Jazz Juniors. Erste Aufnahmen entstanden 1997, als er Mitglied im Bundesjugendjazzorchester war (Focus on Vocals, Mons Records). Im selben Jahr spielte er in Gunter Hampels Next Generation, mit der er u. a. bei der MusikTriennale Köln auftrat. In New York entstand mit Hampel noch das Album The 8th of September 1999, in der Dresdner Tonne im Folgejahr Earthlings.

Außerdem nahm er im Trio mit Dietmar Fuhr (Kontrabass) und Matthias Kornmaier (Schlagzeug) sein Debütalbum Silhouette Ascending (Mons) auf

2000 erhielt er ein Stipendium zum Studium am Queens College in New York City.

2009 legte er das Soloalbum Here Now (Konnex) vor, auf dem er neben Standards wie „You’d Be So Nice to Come Home To“ und Thad Jones’ „A Child Is Born“ auch Eigenkompositionen vorstellte.

Heute ist Clemens Orth im Zenit zahlreicher musikalische Formationen und Ehrungen. Sowohl als Solist (2009 Sieger beim internationalen Piano-Wettbewerb „Premio Benedetto XIII“ in Bari) als auch mit seinen Trios (1995 Sieger beim Wettbewerb Krakow Jazz Juniors) wurde er ausgezeichnet und wirkte bei zahlreichen Albumproduktionen als Studiomusiker mit.

Seine Konzerte finden international sowohl an renommierten Orten wie die Carnegie Hall New York als auch in Konzertsälen und Kirchen statt. Für das renommierte JAZZTHING Magazin ist Clemens Orth „… ein Musiker … der zwar seine Eigenständigkeit und Unabhängigkeit liebt, aber dennoch seinen kulturellen Wurzeln, seinen gemachten Einflüssen und Prägungen verbunden bleibt“– Jazzthing 81 (11/09 — 01/10)

Immer wieder entdeckt Clemens Orth Neues für sich, so die Wechselwirkung mit Hammondorgel und seiner eigenen, der menschlichen Stimme. Clemens Orth komponiert, arrangiert, improvisiert und produziert Aufnahmen verschiedener Styles im eigenen Tonstudio in Köln.

Der Kern des Pianisten Clemens Orth liegt in seiner Performance als Solist und der Königsdisziplin, der Improvisation, in der er aus dem Vollen schöpft und sein Publikum verschiedener Generationen daran Teil haben lässt.

HERE NOW sagte über Clemens Orth in einer Rezension, er sei ein „… eloquenter Geschichtenerzähler, der mit rhythmischer Raffinesse und flüssiger Phrasierungskunst die Zuhörer in seinen Bann schlägt …“ und der es versteht, „… wie aus dem Stegreif improvisiertes musikalisches Material auch einmal auf das Wesentliche zu reduzieren …“

KLANGLYS

Frithjof Siebert — Tue, 16 Jan 2024 19:41:35 +0000

KLANGLYS

Jazz | Komposition | Musik

Mit ihrem neuen Album „THE KEY TO BE“ lädt das internationale Sextett KLANGLYS aus Dänemark ein, sich der wunderbaren inneren Kräfte und Perspektiven bewusst zu werden. Nachdem sie sich in ihrem Debütalbum „IN HINDSIGHT“ mit Entscheidungen und Prioritäten des Lebens rückblickend (in hindsight) auseinandersetzten, folgen nun innere Einkehr und die Gewissheit verschiedener Perspektiven. Es geht um Zuversicht! Zuversicht beinhaltet eine Sicht, eine Sicht der Dinge, eine Aussicht.

THE KEY TO BE – ZWEITES ALBUM RELEASE von KLANGLYS:

DIE ZUVERSICHT LÄDT EIN

Das Leben ist angefüllt mit großen und kleinen Geschichten. Zukunft braucht Vergangenheit und doch verstricken wir uns oft in Vergangenem und hängen daran fest. Wir tun uns schwer mit Abschied und dem freien Blick in die Zukunft.

KLANGLYS lädt die Hörenden ein, Altes loszulassen und die Essenz des Machbaren zu heben. Dabei nimmt die Musik von Klanglys uns mit auf einen abenteuerlichen Ausflug, eine Wanderung über Berge, vorbei an Wäldern und Seen bis hin zum Meer.

Komponist, Songschreiber und KLANGLYS-Gründer Johannes Käsbach hat bei den verschiedenen Perspektiven aus dem Vollen geschöpft. Es entstanden Texte und Musik, die berühren und mit Zuversicht in die Zukunft gehen, frei von Angst. Johannes Käsbach zeigt uns die vielschichtigen Aussichten, die uns die gezeichneten Landschaften bieten. Es ist, als würden er und KLANGLYS uns auf ihre Reisen der Perspektiven mitnehmen und das Erlebte und die Natureindrücke in auditiven Bildern erlebbar machen. Augenblickaufnahmen, die sich hier in das Klangmaterial wie mit einer Linse einbrennen, treffen auf vielseitige Gedanken und Reflexionen, die eine Stimme in Käsbachs Musik finden. Mit einem Ziel: Den Hörenden Zuversicht schenken, abseits von Schwermut und den vielen besorgniserregenden Entwicklungen der Welt.

Alternativ beschert die Musik den Hörenden Hoffnung und Kraft, um bei diesem Abenteuer Leben und auch bei dieser musikalischen Wanderung die tiefgründigen und positiven menschlichen Werte hervorzuheben: ein „Zu-sich-selber-finden“, ein Zusammenhalt unter- und ein Öffnen zueinander. Dies geschieht auf leichte und wohltuende Art und Weise. Das Bergplateau wird somit mit Freude erklommen. Und von dort oben, hat man wirklich eine tolle Aussicht. Es erzeugt Lust und Mut, weitere Panoramen und Lebenswege zu entdecken.

Natürlich wird diese Reise durch Perspektiven in die Zuversicht auch in Form des Albums und seiner Singles sichtbar, welches alle Farben perspektivisch vereint.

„SUA CALMA“ – DEINE RUHE! Die als erste Single erschien, vermittelt diese Ruhe des blauen Meeres. Klanglys nimmt die Hörenden mit auf einen Flug, der sanft in die Höhen hebt. Dieses Stück beinhaltet viele persönliche Erlebnisse und Reisen von Johannes Käsbach an Quellen des Lebens.

Die zweite Single „SKETCH2“ als Sinnbild für Aufbruch, Lebensfreude, Energie und einen NEUSTART steht in Verbindung mit einem Gipfelabstieg einer Gebirgskette Japans bei Sonnenuntergang und einem wohligen Einsamkeitsgefühl.

„DANCE OF THE STRUCK SAND“ in gelbem Sand und grünen Sträuchern beschreibt das Zusammentreffen mit den Sertanejas im Nordosten der Wüste Brasiliens und ihrem Tanz, dem Xaxado. Es ist die dritte Single auf dem Weg zum Album.

Die weiße Wolkendecke spiegelt sich bei einem morgendlichen Lauf am Strand in der vierten Single „INVOLUTED REBOUND“, wenn sich erste Sonnenstrahlen den Weg bahnen.

Die Band besteht aus:

Johannes Käsbach (DE) – guitar, vocals, compositions, lyrics, arrangements, production

Aleksandra Raczyńska (PL) – violin and vocals

Wojciech Morelowski (PL) – trumpet and flugelhorn

Anton Boisen Langebæk (DK) — electric and double bass

Jan Kadereit (DE) – drums and percussion

Featuring musician: Sebastian Zawadzki (PL) – piano and keys

Enrico Olivanti

Frithjof Siebert — Mon, 15 Jan 2024 21:13:04 +0000

Enrico Olivanti

Komposition | Gitarre | Jazz | Klassik | Musik

Von je her selbstbestimmt, reflektiert und unabhängig, verbunden mit einer grenzenlosen Liebe zur Musik, ihren Facetten und Stilen: Das ist Enrico Olivanti.

Enrico Olivanti: Musiker – Komponist – Dirigent – am Puls des Lebens

Schon früh wusste der in Klassik, Improvisation, Jazz und neuer Musik gleichzeitig verortete Enrico Olivanti, dass das Komponieren im Zentrum seines Schaffens stehen würde.

Mit der Gitarre arbeitete er sich nach autodidaktischen Anfängen über die Klassik zum Jazz und studierte nach der persönlichen Grenzerfahrung in Form eines Unfalls schließlich Komposition.

Sowohl die sinfonische Musik als auch Improvisation, elektronische Musik und die Arbeit mit der menschlichen Stimme, solistisch wie im Chor sind Ausdruck seiner kompositorischen Vielfalt und Breite. Enrico Olivanti findet für das, was ihn inhaltlich bewegt, für eine Geschichte wie seine jüngste Veröffentlichung LOVE LETTERS, das jeweils adäquate Mittel.

Sein Werk- und Wirkungsverzeichnis inkl. des jeweiligen Ortes liest sich wie die Entwicklung eines Baumes mit verschiedenen Ästen, der jährlich austreibt. Seit 2009 veröffentlicht er Werke für Instrumentalensembles sowohl Jazz als auch neuer Musik, für Orchester, für Vokalsolisten und Chöre. Zudem veröffentlichte er mehre CDs , gründete eigene Bands und Ensembles so wie das in Sachsen ansässige Ensemble: NEU.

Sein erstes Kompositionsstudium bei Gianluca Podio und Ferdinando Nazzaro, dann bei Luciano Polesi und Alessandro Cusatelli schließt er am Konservatorium von Santa Cecilia ab. Schließlich studiert er Komposition bei Prof. Thomas Zoller an der Hochschule für Musik Carl Maria von Weber in Dresden. Zuvor hat er als Gitarrist, nach dem er klassischen Unterricht bei Antonio Pappadá hatte an der Scuola-ForumMusica von Ciampino studiert , danach am Saint ‑Louis-College of Music und am Berklee College of Music Boston.

Weiteres kommt hinzu. Im Komponieren und Einstudieren wird der Dirigent Enrico Olivanti sichtbar.

Bernard Fichtner

Frithjof Siebert — Mon, 15 Jan 2024 20:02:08 +0000

Bernard Fichtner

Gitarre | Jazz | Komposition | Musik

Bernard Fichtner hatte schon früh eigene Vorstellungen von seiner Musik. Ein feines und präzises Klangempfinden ließ sich ihn für die Gitarre als „sein“ Instrument entscheiden.

Bernard Fichtner – One and Only! Leidenschaftlich klar und transparent.

Anfangs autodidaktisch wusste er genau, was er von den Lehrenden lernen wollte. Diese Art, Musik zu entwickeln und transparent zu kommunizieren, setzte er fort. Nach dem Abitur studierte er in Kanada und schließlich am Berklee College of Music in Boston/USA, der Hochburg des Jazz. Von dort aus experimentierte und erkundete er mit seinem persönlichen „Algorithmus“ verschiedenste Genres und Styles wie Rock, Funk, Fusion, Soul und Rhythm ’n’ Blues. Er wirkte als Musiker bei Musical-Produktionen, begleitete Musikerinnen und Musiker wie die israelische Sängerin Esther Ofarim und komponierte Filmmusiken. Bernard Fichtner liebt es, zu unterrichten, mit Musikerinnen und Musiker aller Generationen Musik zu teilen und jeweils mit dem individuellen Ansatz gemeinsam zu arbeiten.

So wundert es nicht, dass er auch Einblicke, in seine Art Musik zu machen, gibt, wie in einem Videogespräch (www.bernardfichtner.de). Er zeigt, wie aus einer Sammlung kurzer musikalischer Phrasen eine Idee entsteht, die er fortführt und ausbaut. Zudem nimmt er die Zuschauenden mit in die Welt einer Recording Software und demonstriert anhand von Beispielen und Screenshots, wie er seine Einfälle in einzelne Spuren überführt und bearbeitet.

Was seine Musik und ihn in seiner Rolle als Musiker und Bandleader betrifft, war es immer sein Ziel „ein singuläres Profil zu entwickeln, das einen genauer hinhören lässt …“ wie bei seinem letzten Album Movin’on (Bernard Fichtner’s M‑Project). Und das ist es, was ihn ausmacht. Bernard Fichtner hat klare Vorstellungen. „Mir gelingt immer dann etwas Eigenes, wenn die Musik eine verständliche Form erhält“, betont er. „Auf Movin’ On habe ich überwiegend nicht-komplexe, symmetrische Formen gewählt.“

Klare Vorstellungen hat Bernard Fichtner immer, auch wenn es um die Auswahl der Musikerinnen und Musiker geht, die er sehr sorgfältig vornimmt.

Als Musiker wird ihm „ein unprätentiöser Stil“ attestiert, dessen Soli „entwickeln ihren Flow aus den Geschichten, die sie erzählen. Sie interagieren mit und reagieren auf die rhythmischen, dynamischen und melodischen Akzente, die seine Mitmusiker setzen.“

So entschied er sich bei seinem jüngsten „M‑Projekt“ für den Hannoveraner Pianisten Markus Horn, „weil sein harmonisches und melodisches Empfinden ihn in die Lage versetzt, die Melodielinien der Gitarre aufzunehmen und weiterzuführen.“

Ihm war die pulsierende Rhythmik des Hamburger Schlagzeugers Heinz Lichius durch sein variantenreiches Spiel als große Bereicherung für den Gesamtsound wichtig.

Mit Giorgi Kiknadze, ebenfalls aus Hamburg, wird dieses Fundament mit einem Kontrabass, der sich nicht auf ein elementares Tongerüst begrenzt, sondern über die harmonische Essenz hinausgeht, indem er seine Linien eloquent ausbaut und anreichert, unterlegt.

Kurz beschrieben ist Bernard Fichtner „leidenschaftlich klar und transparent“.

Moritz Götzen

Frithjof Siebert — Fri, 20 Jan 2023 17:25:21 +0000

Moritz Götzen

Kontrabass | Jazz | Komposition | Musik

Moritz Götzen gilt mit seinen vielfältigen Projekten auch des Musik- und Tanztheaters als einer der umtriebigsten Vertreter des Kontrabasses.

Moritz Götzen ist Absolvent renommierter Hochschulen wie der ArtEZ Hoogeschool voor de Kunsten Enschede (Ruuds Ouwehand und Wilton Jongmans) und der Folkwang Universität der Künste Essen (Robert Landfermann).

Als Sideman und Bandleader seiner damaligen Band Der verstiefelte Kater absolvierte Moritz Götzen zahlreiche Auftritte in Deutschland, Frankreich, Polen, den Niederlanden. Er nahm an Workshops und Masterclasses von u.a. Martin Wind, Karel Boehlee, Ben Street und Drew Gress teil und war er an verschiedenen CD Produktionen beteiligt, insbesondere mit dem Ulrich Beckeroff Quartett.

Immer auf der Suche nach neuen Klangbildern streift Moritz Götzen von jeher verschiedene Genres und Stilistiken, die von Pop, Rock, Punk über Neue Musik bis in den Jazz reichen. Colour of Jazz beschreibt ihn „sich weder dem Kitsch, noch der Ästhetik des Hässlichen zu verschließen und sowohl dem körperlichen, als auch dem intellektuellen Aspekt der Musik seinen Raum zu geben.“

Für sein neuestes Projekt, die Debüt-CD Lilith gibt Moritz Götzen (Kontrabass und Komposition) seinem Trio, bestehend aus Julia Brüssel (Geige), Jonas Hemmersbach (Gitarre), mit dem Cellisten Veit Steinmann einen Fokus, der Improvisation verschiedener Stilistiken umfasst.

Miriam Ast

Frithjof Siebert — Wed, 18 Jan 2023 15:39:30 +0000

Miriam Ast

Gesang | Jazz | Komposition | Musik

Miriam Ast ist eine in Deutschland und Großbritannien tätige Jazzsängerin und Komponistin. In kurzer Zeit etablierte sie sich als aufstrebende junge Jazzsängerin mit besonderer Improvisationsfähigkeit in der Londoner Szene.

2016 schloss Miriam Ast ihr Masterstudium mit Auszeichnung an der Royal Academy of Music in London ab. In kurzer Zeit etablierte sie sich als aufstrebende junge Jazzsängerin mit besonderer Improvisationsfähigkeit in der Londoner Szene. 2018 veröffentlichte sie ihr Debüt-Album Secret Songs beim Label Mons Records, auf dem sie den bekannten britischen Jazzsaxofonisten Stan Sulzmann featured. Miriam Ast war vier Jahre lang senior lecturer am Leeds Conservatoire und konzertierte mit eigener Band unter anderem beim EFG London Jazz Festival und Ronnie Scott’s Jazz Club in London.

Derzeit bereitet sie sich auf die Release ihres zweiten Albums Tales & Tongues mit ihrem Trio vor, das beim Schweizer Label Unit Records 2023 veröffentlicht wird.

Hautnah hat Miriam Ast die nationalistischen Strömungen um das Brexit-Referendum in Großbritannien miterlebt, woraus die Idee für ein Konzeptalbum aus Modern Jazz Arrangements von europäischen Volksliedern entstand. Hiermit möchte sie ein Zeichen für kulturelle Vielfalt und ein geeintes Europa setzen.

Adi Braun

Frithjof Siebert — Wed, 06 Jul 2022 17:23:01 +0000

Adi Braun

Gesang | Jazz | Musik

Adi Braun prägte die kanadische Jazzszene. In der Synthese von Komposition, Gesang und Produktion führt sie ihr Publikum auf der Bühne in ungeahnte musikalische Lebenswelten.

Aus der kanadischen Jazzszene auf dem Weg nach Deutschland

Als Tochter des kanadischen Opernsängers Victor und der deutschen Opernsängerin Eraine Braun in Deutschland und Europa mehrsprachig aufgewachsen, studierte Adi Braun in Toronto zunächst klassischen Gesang und arbeitete einige Jahre an der Canadischen Oper.

Im Jahr 2001 wandte sie sich der Pop Musik, dem Jazz und dem Kabarett zu. Mit ihrem eignen Label „Blue Rider Records“ produzierte sie 2003 ihre erste CD „Delishious“. Es folgten 2005 „The Rules of the Game“, 2008 „Live at the Metropolitan Room” und “Canadian Szenes I” in 2010.

2017 erschien ihr neuestes Album „Moderne Frau” u.a. mit Songs von Kurt Weill.

In ihrem Programm NOIR erinnert die Sängerin unter anderem an die mysteriösen Frauenfiguren mit ihren dem Film noir entlehnten Eigenschaften in Kurt Weills Dreigroschenoper.